Neuf

Ippazio Nutricati - Artiste - Ses oeuvres

Ippazio Nutricati - Artiste - Ses oeuvres


Pour vous offrir le meilleur service possible, ce site utilise des cookies. Pour en savoir plus, lisez nos informations.
En poursuivant votre navigation, en cliquant sur ok ou en faisant défiler la page, vous consentez à l'utilisation de tous les cookies.

D'accordInformations sur les cookies


Provocateur et sans aucun type de filtre communicatif: Blu est un artiste qui a su révolutionner le monde de l'art urbain, de la fin des années 90 à aujourd'hui. Personne ne connaît son vrai nom et d'où il vient, mais il est certain que ses murs sont un mélange de surréalisme, de pop art et d'un film de science-fiction. Blu a été signalé en 2011 par The Guardian parmi les 10 meilleurs artistes de rue autour, devenant en effet l'un des artistes urbains les plus influents au monde.

Il a commencé comme écrivain à Bologne en utilisant des bombes aérosols, mais au fil des ans, sa technique a évolué en utilisant des peintures et plus tard également des animations numériques. Ses murs sont souvent énormes et sont un véritable choc pour les spectateurs qui se retrouvent plongés dans des humanoïdes et des personnages énigmatiques, jouant également sur l'effet «multitude».

Ce que nous voulons vraiment vous dire, c'est que le murs de Blu ils peuvent être définis simplement fous et dans cet article nous ne voulons pas vous parler seulement de lui et de son évolution artistique, mais aussi où trouver 10 oeuvres de Blu en Italie et à l'étranger!


La fine ligne d'ombre

Prémisse: Egon Schiele est un artiste que j'aime beaucoup. Je sais qu'il est souvent jugé excessif et grossier dans ses performances, ou au bord du scandale, mais je trouve que voir ses peintures et dessins en direct est quelque chose d'inoubliable et d'excitant.

En fait, le mien est un intérêt qui n'est pas né dans les livres mais de la vie, pour être précis Musée Léopold de Vienne, véritable sanctuaire dédié à cet artiste hors du commun, plein d'œuvres et d'explications éclairantes. Au cours des dernières années, j'y suis allé deux fois et je me suis rempli de livres, alors aujourd'hui je voudrais vous dire quelque chose et surtout essayer de transmettre un peu de tout cet amour, en procédant dans l'ordre et en rassemblant diverses pensées que j'ai dédié à Schiele dans les anciens postes.

Brève biographie: qui était Egon Schiele?

Egon Schiele, Autoportrait avec physalis, 1912

Egon Schiele est né près de Vienne en 1890 (début de saison conventionnel fin du siècle), a une famille très normale et n'obtient pas de bonnes notes à l'école, pour le moins dire. Dans quelques années, les deux premiers facteurs extraordinaires qui le préoccupent surviennent: d'une part, la mort de son père alors qu'il n'a que 14 ans, un événement qui va miner sa personnalité adolescente, et d'autre part, l'incroyable capacité qui lui permet l'admission à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne à l'âge de 16 ans.

De là commencent les hauts et les bas: l'approbation par des maîtres du calibre d'Otto Wagner et de Gustav Klimt, et en même temps les critiques des professeurs d'université, qui ne sont pas prêts pour une telle innovation. Ces dernières années, Schiele est un garçon mécontent et incompris, qui n'apprécie pas le monde universitaire et cherche l'inspiration à l'extérieur, entre les échos de l'Art nouveau et les couleurs de l'expressionnisme. Ainsi, en 1909, il quitte l'école et se consacre à exposer et créer en utilisant des filles et des enfants comme modèles.

Enfin, des langages et des thèmes caractéristiques émergent: une angoisse existentielle tout au long du XXe siècle associée à un désir d'introspection, certainement lié à des thèmes très modernes comme la psychanalyse, qui sont les protagonistes de ses œuvres. Cependant, sa renommée est encore loin, en effet, en 1912, il a même été emprisonné pour avoir séduit un mineur et produit de l'art pornographique.

Entre 1913 et 1914, un revirement notable se fait enfin sentir: Egon Schiele est également destiné à traverser la Ligne d'ombre, qui pour lui prend les traits du succès et de l'amour enfin adulte et sans ténèbres, ce qui conduit au mariage avec Edith Harms. Ainsi commence une nouvelle phase de peinture plus consciente et plus équilibrée, qui fait de lui la figure la plus marquante du panorama viennois du moment..

Désormais, il est inutile de se demander à quelles hauteurs cette nouvelle direction pourrait conduire, quelles influences Egon Schiele pourrait créer au fil des ans, car en 1918 il est mort de la grippe espagnole, trois jours après sa femme, enceinte de six mois.

Intensité et modernité, les caractéristiques d'Egon Schiele

"data-medium-file =" https://lasottilelineadombrablog.files.wordpress.com/2018/02/01-schiele-labbraccio.jpg?w=300 "data-large-file =" https: //lasottilelineadombrablog.files .wordpress.com / 2018/02/01-schiele-Labraccio.jpg? w = 940 "src =" https://lasottilelineadombrablog.files.wordpress.com/2018/02/01-schiele-labbraccio.jpg?w= 940 "srcset =" https://lasottilelineadombrablog.files.wordpress.com/2018/02/01-schiele-labbraccio.jpg?w=940 940w, https://lasottilelineadombrablog.files.wordpress.com/2018/02/ 01-schiele-abbraccio.jpg? W = 150 150w, https://lasottilelineadombrablog.files.wordpress.com/2018/02/01-schiele-labbraccio.jpg?w=300 300w, https: //lasottilelineadombrablog.files. wordpress.com/2018/02/01-schiele-labbraccio.jpg?w=768 768w, https://lasottilelineadombrablog.files.wordpress.com/2018/02/01-schiele-labbraccio.jpg?w=1024 1024w, https://lasottilelineadombrablog.files.wordpress.com/2018/02/01-schiele-labbraccio.jpg 1309w "tailles =" (largeur max: 940px) 100vw, 940px "/> Egon Schiele, Les amoureux (l'embrac cio), 1917

Pourquoi Egon Schiele est-il inscrit dans l'histoire des livres d'art, malgré sa mort prématurée et l'appréciation fluctuante dont il jouit?

Pour commencer, son trait fantastique, les lignes sûres et précises qui construisent ses créations sans hésitation, bavures ou besoins de correction. Avez-vous déjà vu une de ses œuvres de près? Ce n'est qu'en regardant de près que vous pouvez comprendre la sensation de perfection qui se dégage, comme si le crayon était guidé par un esprit imparable de beauté et d'harmonie.

Cependant, la technique ne suffit pas pour rendre un artiste grand, après tout, combien de personnes dessinent très bien mais n'arrivent pas à transmettre? Ce qui, du moins à mes yeux, est un élément essentiel est intensité, comprise comme la capacité de transmettre à l'observateur sans méfiance tout le bagage émotionnel qui se cache derrière chaque sujet, du plus élaboré au plus banal. En ce sens, Egon Schiele est un maître, lorsqu'il parvient à faire parler même les arbres squelettiques, ou les bâtiments fatigués et ternes, adossés les uns aux autres, des villages autrichiens.

Enfin, une autre fonctionnalité intéressante est l'extrême la modernité de ses œuvres, qui s'intègrent parfaitement dans le débat culturel de l'époque et en même temps ne sont pas englouties, au contraire, elles deviennent son interprétation très personnelle. Des éléments cubistes, expressionnistes, art nouveau et symbolistes par exemple sont reconnus dans les œuvres de cet artiste, mais cela ne veut pas dire que les sujets sont moins reconnaissables, moins liés à leur créateur.

La grandeur des maîtres comme Egon Schiele est justement la capacité de ne pas rester empêtré dans les étiquettes, mais de poursuivre leurs recherches, d'exprimer leurs idées, sans finir par ressembler à personne, mais en même temps sans perdre le lien avec le contexte dans lequel ils vont inévitablement à insérer.

Œuvres de Schiele: paysages et portraits

Egon Schiele, quatre arbres

Sans aller plus loin, le moment est venu de partager avec vous une petite galerie d'œuvres qui peuvent expliquer la personnalité et la grandeur d'Egon Schiele bien mieux que mes paroles.

Les paysages

Je dois avouer que je trouve toujours beaux les paysages peints par cet artiste, même s'ils restent souvent secondaires dans les textes qui décrivent sa production. C'est précisément pour cette raison que j'ai décidé de leur donner un peu d'espace dans la galerie que je propose ci-dessous.


Œuvres Angelo Accardi: Misplaced (avec Struzzi)

L'un des sujets les plus célèbres et reconnaissables de la peintre Accardi est celle des Autruches.

L'artiste place ces animaux dans des environnements qui n'ont rien à voir avec leur habitat naturel. Il les place dans des salles, des musées et même dans les rues des villes.

La présence d'animaux dans des environnements inhabituels crée un premier effet aliénant qui pousse inévitablement le spectateur à se demander pourquoi l'artiste a décidé de placer un animal dans un lieu qui ne lui appartient pas.

C'est précisément ici que réside le cœur des œuvres d'Accardi: la représentation du Égaré, ou plutôt les égarés. Ce faisant, l'artiste prend ce terme au pied de la lettre et le dépeint en insérant un objet étranger dans un environnement quotidien.

Dans les œuvres de Angelo Accardi égaré l'artiste élimine complètement la présence de la figure humaine qui est pourtant impliquée, quoique indirectement.

En remplaçant les humains par Autruches, Accardi Angelo il veut critiquer l'homme sur un double plan.

Le premier est lié au monde de l'art. Dans les œuvres dans lesquelles les autruches sont représentées dans des espaces intérieurs (tels que des maisons et des musées), sur les murs des chambres Angelo Accardi propose des œuvres d'autres artistes contemporains tels que Damien Hirst, Keith Haring, est Tomoko Nagao, mais aussi des artistes de la Renaissance.

Face à ces chefs-d'œuvre, les Autruches s'arrêtent presque enchantées pour les admirer et interagissent souvent avec les œuvres en les touchant avec leur bec et devenant ainsi une partie active de la peinture.

Contrairement aux attentes, les Autruches semblent s'intégrer pleinement dans ces contextes. D'où la critique subtile mais efficace de Accardi à l'incapacité de nombreux hommes à interagir avec l'art, qui au contraire réussit parfaitement chez des animaux pas particulièrement intelligents tels que les autruches.

Le deuxième niveau dans lequel la critique de Peintre Accardi fait référence à la vie quotidienne. Lorsque l'artiste place les Autruches dans les rues de la ville, le premier effet est celui de l'ambiguïté.

Cependant, plus on regarde l'œuvre, plus la présence d'animaux errant dans la ville semble normale. Dans ce cas, Angelo Accardi il veut être amèrement ironique sur la facilité avec laquelle l'homme peut être remplacé dans des environnements qui lui ont toujours appartenu.


Œuvres les plus célèbres de Lichtenstein

Si vous vous demandez alors quelles sont certaines de ses œuvres les plus célèbres, nous en avons déjà mentionné beaucoup dans le paragraphe précédent, mais ci-dessous nous faisons une liste récapitulative:

  • Chef-d'œuvre de 1962
  • Whaam! de 1963
  • Fille qui se noie de 1963
  • Fille qui pleure de 1963
  • Dans la voiture de 1963
  • Désespéré de 1963
  • Fille dans le miroir 1964
  • M-Peut-être 1965
  • Fille avec ruban de cheveux de 1965
  • Coups de pinceau de 1965

Roy Lichtenstein était un artiste très actif et son production d'œuvres il a atteint des chiffres presque incalculables. Jusqu'en 2018, son travail était protégé et valorisé par la Fondation Roy Lichtenstein, mais depuis cette année, la fondation a officiellement fermé ses portes, faisant don de plus de 400 œuvres au Whitney Museum et au Smithsonian.


Stanisław Szukalski

Stanisław Szukalski (Warta, 13 décembre 1893 - Burbank, 19 mai 1987) était un peintre et sculpteur américain naturalisé polonais. Dans sa vie, il a tenté de créer un nouvel art polonais basé sur sa vision de l'histoire et de la mythologie. Malgré ses théories extravagantes, Szukalski était un sculpteur étonnant, capable de donner forme au matériau en lui donnant une tension et un pathétique surprenants, parvenant à visualiser mentalement chaque détail de ses œuvres sans utiliser de modèles de départ, ce qu'il a toujours refusé, même des universitaires. fois. L'art de Szukalski expose des influences de cultures telles que égyptienne, slave et aztèque, combinées à des éléments de l'art nouveau, des différents courants du modernisme européen du début du XXe siècle: cubisme, expressionnisme, futurisme et art précolombien. Ce mélange unique est devenu connu sous le nom de "Twisted Classicism". [1]

Dans les années 1920, il a été salué comme le «plus grand artiste vivant de Pologne». Une grande partie de son travail a été détruite en raison de la dévastation des forces nazies pendant la Seconde Guerre mondiale. Incapable de retourner en Pologne, elle a continué à travailler malgré la pauvreté et l'obscurité relative. Ses œuvres sont exposées en permanence au Musée polonais de l'Amérique à Chicago et au Musée national de Varsovie. Parmi les admirateurs de Skukalski figurent Leonardo DiCaprio, le groupe Tool, et le célèbre écrivain Ben Hecht, qui a rencontré Szukalski dans les années 1920, décrivant le Polonais dans son autobiographie comme "affamé, musclé, aristocratique et dédaigneux des êtres inférieurs à lui - caractéristiques que Szukalski a gardées. Pour le restant de ses jours ". [2]

Szukalski est né à Warta, en Pologne, mais a grandi dans une petite ville appelée Gidle à proximité. Son père, Dyonizy Szukalski, était forgeron et est venu à New York avant ses enfants et sa femme pour travailler. Peu de temps après, Szukalski, sa mère Konstancja et sa sœur Alfreda débarquent aux États-Unis le 27 juin 1907 pour rejoindre leur père à Chicago. Démontrant une aptitude marquée pour la sculpture, l'artiste s'inscrit à l'Art Institute of Chicago, alors âgé de 13 ans. Peu de temps après, le sculpteur Antoni Popiel convainc les parents de Szukalki de l'envoyer à Cracovie pour étudier à l'Académie des Beaux-Arts.Pendant trois ans, Szukalski étudie la sculpture avec le soutien de Konstanty Laszczka, en 1913 il retourne à Chicago. [2] [3]

Encore très jeune, Szukalski a rejoint la scène artistique de Chicago, faisant partie du mouvement de renaissance de l'art appelé Chicago Renaissance. Un an après son retour, en 1914, l'artiste expose sept de ses œuvres à l'Exposition annuelle des peintures et sculptures à l'huile américaines à l'Art Institute. L'artiste a également exposé individuellement à l'Art Institute dans les années 1916 et 1917, également au Progress Arts Club en 1919. [4]

Il a été proposé de construire un monument au héros polonais Adam Mickiewicz dans la ville de Vilnius. En 1925, un grand concours est publié pour le choix du design. Parmi les 67 participants, Szukalski a remporté le premier avec un dessin de Mickiewicz allongé sur un autel sacrificiel nu, à côté d'un aigle blanc qui aurait bu de la blessure du poète. En dépit d'être plébiscité par une bonne partie de l'intelligence, il y a eu un fort rejet des autres, conduisant à la décision d'un nouveau concours, cette fois avec le choix du design de Henryk Kuna. Initialement avec des problèmes financiers et après la Seconde Guerre mondiale, le monument n'a jamais été construit. [4]

En 1925, le jeune Szukalski participe au Salon International des Arts Modernes et Décoratifs de Paris représentant la Pologne, même s'il est récompensé à plusieurs reprises, la critique n'épargne pas l'artiste accusé de représenter un pays dans lequel il ne vit plus. Il parcourt l'Europe de 1926 à 1928, retourne à Cracovie en 1929 avec une exposition rétrospective, la même année l'artiste publie ses publications dans la revue Projects in Design: Sculpture and Architecture. Il a fondé, avec d'autres artistes, un mouvement artistique appelé Szczep Rogate Serce dont le but était de se tourner vers l'histoire préchrétienne et païenne à la recherche d'inspiration. [4]

En 1936, Szukalski retourna en Pologne, marié au professeur Joan Lee Donovan. Son importance était telle qu'elle obtint le soutien financier du ministre du Trésor, elle fut également dotée d'un grand studio, le musée national de Szukalski. À cette époque, Szukalski était considéré et décoré comme le plus grand artiste vivant de Pologne. L'artiste a ramené la quasi-totalité de ses sculptures des États-Unis et son musée a souvent été apprécié par la population et aussi par la catégorie artistique. [4]

Szukalski a apporté toutes ses œuvres à son musée national. Cependant, en 1939 et en Pologne sous le siège de Varsovie, la guerre allait changer sa vie et l'Europe à jamais. Il est à noter que pendant de nombreuses années, Szukalski a combattu la pauvreté, le rejet et les problèmes de santé, mais dans les années à venir, l'artiste a apprécié sa gloire, la reconnaissance de son talent. En un instant, dans une explosion de douleur, la guerre s'est intensifiée. D'innombrables personnes tuées et blessées, y compris Szukalski, et toute sa collection d'art détruite ou bombardée, mais aussi par des soldats allemands. L'homme qui avait apporté de nombreuses œuvres, se réfugie à l'ambassade américaine avec trois valises à la main et sa femme. C'est définitivement un test de folie pour tout artiste qui crée ses œuvres comme un enfant. [4]

Après la protection de l'ambassade américaine en 1940, Szukalski et Joan s'installent définitivement à Los Angeles. Le désintérêt des Américains, associé au désintérêt de Szukalski pour rejoindre la scène artistique de Los Angeles (et à ses spéculations) a donné à l'artiste ce qu'il a lui-même appelé l'enfer: l'oubli. À partir de ce moment, Szukalski s'est suicidé dans la banlieue de Los Angeles de manière anonyme. Il a travaillé dans certaines productions hollywoodiennes en tant que peintre, illustrateur. Il a réalisé d'autres sculptures telles que Prométhée, le Coq des Gaulois et Katyn. [4]

Son héritage artistique est en grande partie dû à l'affection et à l'admiration de Glenn Bray, qui a personnellement rencontré l'artiste qui s'est rapidement lié d'amitié et est resté à ses côtés jusqu'à sa mort en 1987.

En 1980, Joen meurt de sa femme et Szukalski meurt en 1987. En son honneur, ses amis partent pour l'île de Pâques, un endroit où l'artiste a fortement voulu visiter et considéré comme le berceau de l'humanité, et a dispersé ses cendres, avec Joan.


Vidéo: LARTISTE ET SES OEUVRES - OEUVRE DART CONTEMPORAIN LHOMME QUI NE VOIT PAS